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艺术简介: 杜平,字琦璋、璋草、瑞石。1960年4月生于北京,毕业于中国人民大学。 先后就读于中国艺术研究院,中国画创作院,中国国家画院龙瑞课题班,中国画学会研究生班。现为中国人民大学继续教育学院杜平工作室导师,中国人民大学继续教育学院中国画研究院特聘研究员,中国画艺术创作院院委,中国画艺术创作中心副主任,中国美术家协会会员。
获奖经历 2008年,国画《当下正闲时清心在此山》入选首届中国山水画艺术双年展。 2010年,国画《极目林开梧并看叶寻居》入选第二届中国山水画艺术双年展。 2011年,国画《太行烟翠》入选2011年全国中国画作品展。 2012年,国画《涧水芳源》获全国第三届中国画线描艺术展优秀奖。 2012年,国画《绿满宾山》获“翰墨新象”全国中国画作品展优秀奖。 2013年,国画《霄林嫣翠》获“吉祥草原·丹青鹿城”全国中国画作品展优秀奖。 2014年,国画《峰高泉清》获中国画学会“明德·和融”2014全国中国画作品展优秀奖。 2015年,国画《茂林芳源》获中国画学会“明德·和融”2015全国中国画作品展优秀奖。 2015年,国画《家山晨话》获“高洁品性·兰蕙人生”全国中国画作品展优秀奖。 2015年,国画《荷塘记忆》获“重温经典”第二届娄东(太仓)全国中国画作品展优秀奖 2016年,作品《腾冲印象》入选中国精神、百家金陵全国中国画作品展,作品由江苏美术馆收藏。
任造化入心 用笔墨冶铸 ——著名画家杜平先生山水画的笔墨意境 记者:邵妙苗 杜平擅长于巧用浓淡枯湿。他往往一笔画到底,从丰腴多姿、润含春雨的湿笔,一直画到干裂秋风、气清质实的枯笔。笔湿时,他便画线,笔枯了,他便皴擦……他还擅长用水去丰富墨法。他告诉记者:笔墨的浓淡枯湿变化主要在于其笔中含墨量和含水量的多少。黄宾虹说:“古人墨法妙于用水。”山水画讲究浓淡、干湿、苍润,使墨色富有变化,这就需要以水调墨或以墨调水。
杜平擅长在用墨的过程中掌握笔性,体现出山水画的音乐节奏感。他注重运笔时的节奏韵律,注重用笔的速度和节奏的变化所产生的不同墨韵。他在运笔时,轻重徐急交替进行,点画的长短、粗细、刚柔都有较大的反差,极富变化,增加了作品的生动性和跃动感。画面上的线条,也有如音乐般充满了灵动的旋律,笔势奇纵,连绵不断,起伏迭宕,汹涌澎湃,有一种强烈的贴近现代社会生活的节奏感,表现出生气郁勃的宏大气势,给人以朴拙遒劲的美感。
杜平的绘画创作十分重视线条的表现力。中国画主要通过笔墨在宣纸上的奔腾游走所形成的线条,去勾勒外在世界的形貌气质,去表现艺术家胸中的宇宙氤氲。因此,线条的表现力也就成为中国画最基本的媒介。一个画家,如果他的笔下描画出来的线条,能够根据表现对象的特征与自己对这一对象的独特体认,用粗细得宜、浓淡得当、曲直相成、缓急相称的墨线,把胸中的意象转化为笔下的艺术形象,那么,他在绘画艺术中就进入“从心所欲不逾矩”的自由境界了。杜平的画作,让我们看到了画家朝着这样一个目标坚持不懈的努力,看到了经过崎岖山路上艰苦攀登之后成功登顶的胜利与辉煌。
杜平在用线条勾勒山石树木的轮廓之后,又用范宽的“雨点皴”于脉络处皴雨点形状之笔墨,并用淡墨“破”凹处,再在山顶加点。短促有力的笔触,生动地表现出岩石的纹理和质感,画中的山崖峭壁也就显得格外浑厚壮观。
杜平告诉记者,要熟练掌握这些技法,达到得心应手的境界,是很不容易的。墨的干枯与湿润,蘸的饱满与浮浅,运笔的轻重与缓急,都是能否成功地实现画家预想效果的重要要素。但是,“笔”不只是一种工具,“墨”也不只是一种黑色的颜色,它们是中国文人表达心灵情感及其精神意志的一种载体。笔墨并不是单纯的技法问题,而是画家在观察自然、感悟人生的基础上,对气象万千的客观世界的某种概括与抽象,在笔墨点染之中,也就浇了心中块垒。
我们看到,在杜平的山水画作品中,笔墨以或急或缓的节奏、或聚或散的墨迹、或涩或润的格调,表现着画家心中的山峦岩石、树木花草,成就着一种特有的气势,烘托着几分古朴的情韵。如他的作品《霄山夜曲》,描绘了一轮满月映照下的山村。长短相谐的笔触,浓淡相映的墨趣,时而疏朗、时而紧密的构图,很好地体现了静谧幽深的意境。正是由于笔墨的熟练运用,让读者更深刻地领略了画家胸中优雅的情怀及其对亲人、友人乃至天下人“千里共婵娟”的殷切期盼。
杜平山水画的艺术成就,建立在一整套笔墨战略观基础之上。他用“十字架”来形象地表述自己的理论:从十字架的交叉点向四个方向伸展,这四个展臂分别代表了山水画的四大追求:“至高”“至尚”“至深”“至远”。至深——即深入挖掘本真的自我,找准中华民族的基因和血脉;至尚——即追求时尚,贴近研究当代审美取向,用当代的眼光研究自然界,笔墨当随时代;至远——即师古,学习传统的技法、境界和意境,站在巨人的肩上继续前进发展;至高,即深入研究前三者之后,必将达到的艺术成就和艺术境界。
杜平说:“山水画真正的老师有三个:文化传统、自然造化和自我——即原初的自己。而在绘画中最重要的事情,就是寻找自我,寻找那个纯真的自我,寻找那个自由自在、不受约束的自我!画山水画没有对与错,就是追求纯真的境界。而有些人学山水画,偏偏找不着自己,把小时候纯真的东西给丢了。而作为一个好的山水画家,就应该回归自己的内心,把绘画当成一种事业。”
杜平指出,十字架的交叉点代表“笔墨”,因为笔墨是山水画的中心点。作为山水画家,我们一定要找到这个中心点。历史是一条竖线,时代是一条横线,只有真正找到了这个结合点,才能站在时代与历史的交叉点上。当然,这个交叉点对于一个画家而言,并不是清楚地显现在你面前的,所以,这就需要每个人用智慧去探索、去发现,找到自己真正的坐标。
事实上,历代大师都是站在那个交叉点上的,所以他们才能成为大师。譬如“元四家”“明四家”,清“四王”“四僧”,近代的黄宾虹、傅抱石、潘天寿、李可染等人,其实他们都是站在这个交叉点上的。他们创造的作品既传承前代,更引领当代。在历史上,他们是独一无二的,这就是因为他们有着自己独特的艺术语言——笔墨。
杜平认为,面对不同的物象,写生应该主要抓特征。写生写的就是构成,而构成本身就是关系,关系要用结构去体现:即用笔墨结构、色彩结构去体现物象结构,笔墨结构和色彩结构掌握好了,画面就是和谐的,就是温润如玉的。
从杜平山水画的审美追求中,可以发现他对传统文化意境美学的理解是非常精辟的,把握是十分高妙的。杜平对于山水形象的创造,绝不是纯客观地去复制自然,而是充分地调动自己的精神世界去拥抱真山真水,把自己心灵中出现的或波澜壮阔、跌宕起伏,或细致入微、平和舒畅的内心活动所产生的情思,通过笔墨去表现自然、社会和精神三种世界融为一体之后,展现生机勃勃的生命风采、无穷无尽的灵感韵味和清新独特的情调意趣,展现人与自然的有机和谐。
正是由于把自己的人生感悟和内心世界化入到对于景物的描绘之中,所以杜平笔下的山水,表现的不是纯自然的形象特征,而是具体的观赏对象在画家心目中形成的特殊意象。 “山水画的第一要旨是意境。”杜平老师一边画画,一边对记者说。的确,在山水画创作中,杜平不仅清晰地勾勒出其心中的艺术意境,而且向大众描摹展示出他宽广博纳、承古求新、执着追求的深厚情怀。他的山水画技法大多采用大斧劈皴结合小写意,色彩典雅清丽,构图层次分明,格调高雅,气势壮观,充满诗情画意,让人感受到生活的气息和自然的和谐。
杜平说,中国画讲究“气韵生动”,不拘泥于物象外表的肖似,而多强调抒发作者的主观情趣。中国画讲求“以形写神”,追求一种“妙在似与不似之间”的感觉。中国画的这种写意性,归根结蒂还是从观察大自然而来的,即“师法造化”。但是,中国画特别是山水画的这种表现力,是画家们主观记忆的结果,不是现场写生的结果。山水画讲求的是章法意蕴和用笔用墨的技巧,而不是真实,比如山石的画法技巧就有多种,如斧劈皴、披麻皴,荷叶皴等等,这就形成了它的独特风格和传统。
《云梦山写生》系列,是杜平近年来倾注了大量心血的写生力作。画家一改前人牛毛、斧劈、铁线、米点等山石技法,以别开生面、肆意游走的皴、擦、点、染,控制得恰到好处的洇晕,以及体现时代风貌的色彩,绘就出一派笔墨迷蒙、气韵流动的梦中家园。但这气韵流动的梦中家园,却让观者的心沉静、静谧,有融入自然的超脱。《云梦山写生》系列作品令人耳目一新,其笔墨、意境、神韵体现了画家既传统又新颖的画风追求。
“李可染说过,中国画创作要以最大的功力打进传统里去,还要以最大的功力打出来。有的人打不出来,就像蚕作茧似的,最后咬不出,困在里面变成蛹了。只有能打出来的,才能破茧成蝶。”作为李可染的再传弟子,曾受教于张复兴、龙瑞、满维起、李魁正等名师的杜平,在谈到自己的山水画创作时,坦言离不开自己的师承关系:“李可染说,画家需要哲学家的头脑、诗人的感情、科学家的毅力、杂技团的本领。这四句话指导了我全部的艺术实践。”
杜平认为,山水画家首先必须是哲学家。以哲学家的眼光观察物象结构,才能抓住物象本质的美;以哲学家的辩证思维对待生活的现象,才能更深刻地领悟创作中黑与白、疏与密、苍与润等各种对比,产生更丰富的表现。杜平说,这些认识和体会全部来自实践。“心学”在中国哲学史上还没有形成完整体系的时候,倪云林、王蒙等山水画家,就已经把心象的表达通过宣纸展现出来了。
“创作必须倾注全部情感。而诗人的感情恰恰是最浓缩的感情,所以山水画家必须有一颗不老的诗心。只有以情作画才能画出打动人的作品,只有感动自己,才能感动别人。情感是作画的关键,真正的山水画家在创作中,越画越快乐。而感受快乐就在于挖掘心灵,自由释放,寻找自己,寻找感动,表现心目中的山水。”
至于科学家的毅力,杜平以“百折不挠”和“严谨”表达着自己的理解:“创作不能知难而退,要有科学研究的持之以恒;同样不能想当然,要像科学实践一样严谨,精微必究。有些人把绘画看得很容易,认为谁都可以来,其实不行。因为没有经过仔细研究和练功的绘画根本没有准头,更不论意境了。” 当记者问到杂技团的本领时,杜平笑了:“技巧纯熟也是创作的必要条件。比如走钢丝。演员先从一根绳练起,然后粗钢丝、细钢丝……直到可以表演在细钢丝上骑自行车、倒立、带人,这样的效果是技巧熟练的结果。所以,李可染强调的这四条,囊括了从内功到外功、从理论到实践的辩证领域。”
“江流有声,断崖千尺,山高月小,水落石出,曾日月之几何,而江山不可复识矣。”这是苏轼《后赤壁赋》中的一段描写,绘声绘色,有景有情。读杜平老师的山水画《云梦故里》,让人进入同样的情景交融的妙境。杜平将从这情景交融的文字描绘中得来的深刻感受,恰到好处地融入笔墨之中,构造出新的意境。这里面既包含作者深刻的诗意感受,也是作者朴素率真的思想感情、精神气质和艺术修养的体现。 自然是人类生存之本,亦是中国传统艺术之源,更是中国山水画之根。杜平认为,自然在山水画中有着独特的地位。山水画自始至终都离不开自然,没有自然就没有山水画。中国山水画是以自然山水为基本素材和题材,并以自然山水为主要审美对象的绘画艺术。山水画通过特定的形象符号,表现的是画家的心性和独立的人格,表现的是人与自然的关系。山水画家应该从“心灵法则”出发,回归自然,到自然中去体味自然,正确处理人与自然的对应关系,如天人关系、物我关系、心物关系。简单地说,山水画是“天人合一”哲学思想的艺术观照。
杜平说,中国画的气质、情趣、法理,在山水画中得到了最充分、最典型的展现。只有理解了山水画的奥妙,才能真正地把握中国画的本质。中国的山水画不同于西方的风景画,不是只立足于忠实地描摹眼前的实景,而是画家将他对整个宇宙万物、生命本体的思考和体悟融化在那千山万水中,是艺术升华的哲学思考。因此,山水画是中国人的人生哲学特别是道家哲学思想的体现。中国道家哲学的自然观,本质上体现了一种人与自然的关系,这就是“道法自然,天人合一”。正是在这个意义上,中国山水文化表现的一个基本基调就是“天人合一”。山水画体现出的人与自然的关系,是“天人合一”的艺术表现,人与自然是亲近的、平等的、融合的,人不是自然的改造者或征服者,人也无需表现出对自然的恐惧和崇拜,人与自然是和谐共融、平等互赏的关系,山水应当“作为人来亲近,作为能响应其琴韵的知音相待”,“抚琴动操,欲令众山皆响”(宗炳语)。“望秋云,神飞扬;临春风,思浩荡”(王微语)。
基于这种哲学思考,杜平老师对黄宾虹山水画进行了深入的研究。他认为,现在很多研究黄宾虹的画家只是觉得他的墨是黑的,越来越黑,反复地积墨,还有各种墨法的研究,如他的宿墨表现出的积墨、破墨、泼墨。其实,认真研究黄宾虹作品,会发现黄宾虹对用色用水的研究也非常到家。黄宾虹从“道法自然”的中国文化源头入手,以“浑厚华滋”而不失“色彩灿烂”的风格,表现了中国人对“天人合一”的不懈追求,体现了中国山水画对人文精神的不懈坚持。杜平以此作为自己的美学旨归,决意在新的文化环境中,用山水画表达人与自然的关系,重塑中国山水文化精神。 大自然是山水画的源泉和灵魂,山水画是对大自然的艺术表现。从“天人合一”的理念出发,杜平老师将自然山水融于胸中,用心灵冶铸,将个人的生命体验和山川烟岚融化为远离尘世喧嚣的理想之境。他在绘画的过程中,追求心灵的自由,追求心灵的外化,追求心灵与大自然的沟通。杜平山水画的创作过程,是心灵飞翔的过程,是感情抒发的过程。走近杜平山水画,能够使人迅速沉静下来,能够让人走进自己的内心。
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